ALMENDRA (Álbum, 1969)

Artista: Almendra (D+)

Fecha de Grabación: Jul 69- Nov 69

Fecha de Lanzamiento: 29 de Noviembre de 1969, ARG

Discografica: RCA Vik

Productor: Almendra

 

Calificación: 10 (DISCO ICÓNICO)

                   

 

Era: Rock Hispanoamericano de los 70's

Subgénero: Rock Latinoamericano de los 70’s

Mejor Canción: Muchacha (Ojos de Papel) o Color Humano

Canciones: 1) Muchacha (Ojos de Papel); 2) Color Humano; 3) Figuración; 4) Ana No Duerme; 5) Fermín; 6) A Estos Hombres Tristes; 7) Plegaria Para un Niño Dormido; 8) Que el Viento Borró tus Manos; 9) Laura Va 

 

Recuerdo, hace no mucho, cuándo fue la primera vez que me crucé con este disco. Fue hace unos 8 años , mi objetivo, indagar sobre uno de los secretos mejores guardados que tiene el Rock Argentino que es sin duda alguna Luis Alberto Spinetta. Lo increíble fue el después, cuando  se me abrió un mundo nuevo en el sentido de que Spinetta es un artista muy extenso, en el cual tuve por suerte muchos discos para escuchar que son verdaderas obras de arte, pero al mismo tiempo complejas, y que requieren un tiempo de entendimiento,  lo que no significa que no tenga un punto de partida fácil de llegar. Es por eso que si tendría que recomendar una "iniciación" en su repertorio, es sin duda esta placa de Almendra.

No se por qué, ya que la placa es compleja como sus posteriores discos, y este tiene el peor sonido en cuanto a producción se refiere (recién a fines de los 70’s tendrán buen sonido los discos en Argentina en general), tal vez sea sin embargo que el disco respira inocencia por todos lados; no hablo de inexperiencia, sino de rasgos de niñez como si de verdad Almendra en realidad sean niños en una juguetería musical componiendo canciones, y es que esta primer versión de Almendra era eso, jóvenes jugando a ser músicos. Esto seguramente haga que genere fascinación desde la primer vista, con ese extraño pero original arte de tapa, y claro está, con las canciones que tiene dentro, dotando al disco de un aura artística por todos lados. Eso nos dice que por algo sigue impactando desde hace más de 40 años, por qué su mensaje sigue vigente. 

El momento de salir del disco fue el apropiado para la época. Si bien salió a la venta en el 70, su producción se dio en la segunda mitad de  1969, el mundo estaba dividido en dos por la guerra fría, ya habían explotado el mayo francés, la beatlemania, Woodstock, los hippies y la revolución sexual. En Argentina también pasaban cosas, sobre todo musicales: Piazzola y Ferrer habían encantado al país con Tangos como "Balada para un loco" y se abría en el país el aspecto revolucionario de Piazzolla, Mederos y Rovira, el folklore contestatario explotaba en Latinoamérica con las canciones de protesta con gente como Victor Jara, Mercedes Sosa, Violeta Parra entre otros y, en Brasil el movimiento tropicalísimo también hacía de las suyas de la mano de Gal Costa y Caetano Veloso, el espectro cultural se volvía muy rico sobretodo en la canción popular. 

En cuanto al Rock se refiere en Argentina venían pasando pequeñas cosas, no tan revolucionadas como las antes contadas, pero importantes. La salida del single “La Balsa” de Los Gatos, que fue un enorme éxito, dio un aire fresco a muchos grupos que estaban emergiendo en la época. Este fue el nacimiento del Rock Argentino, de ésta especie de generación Underground que no era aceptada por nadie. Luego de La Balsa, se dio cuenta que podían cantar en español y que no hacía falta copiar a los grupos Mods de la invasión inglesa, había que ser auténticos. Es aquí donde aparece Almendra.

La idea principal fue fija, el sonido del grupo se encontraba entre los Beatles post Revolver, sumando la idea de cantar las canciones en español. Hasta aquí nada parece complicado y original, pero se le fueron sumando las influencias de toda esa generación nueva que creaba Rock en Español, las influencias sonoras que antes nombré. Mientras que en cuanto a las letras, la idea surrealista heredada del Boom latinoamericano y las influencias de los letritas underground del movimiento del Rock Argentino, quienes se reunían todos en La Cueva, una pequeña confitería para escritores y estudiantes, en el que se encontraban futuros músicos referentes como Litto Nebbia,Tanguito, Javier Martinez, Moris y Miguel Abuelo,  quedarán marcadas como un sello distintivo de las letras del Spinetta de Almendra. 

El proyecto requería mucha ambición,  casi de un grupo de rock profesional con una buena inversión económica. Obviamente, sin esos medios, Almendra se tuvo que conformar con la casa de los padres de  Spinetta,  en la que igualmente pasaban cosas, el entusiasmo de su familia por las canciones era constante por lo cual la familia de Spinetta entró también en ese pequeño juego de "Banda de Rock". Luego los maratónicos ensayos entre los cuatro amigos, dieron el nacimiento de los primeros tracks, todos como juegos de unos adolescentes, sin tener un estudio de grabación, experimentaban con sus guitarras, grababan con lo que podían, pero la experimentación por más sencilla que se podría hacer, la lograban. Al mismo tiempo le cantaban a la actualidad, al poco color que tiene la ciudad de Buenos Aires por sus días, al hombre de saco y corbata que trabaja y no disfruta de su vida, a las mujeres y hombres que querían escuchar algunos mensajes sexualmente oníricos, a extraños personajes que iban conociendo o a ellos mismos de forma existencial, todos relatos de jóvenes que estaban conociendo el mundo y su monstruosa modernidad. 

Los primeros conciertos llegaron, algunos lejos de casa. Fueron a  la ciudad turística de Mar del Plata donde fue su debut y tocaron todo el verano. Al principio solo podían tocar algunos temas pero ya impactaron con ellos, ya que a veces elegían los temas más complejos como Color Humano que duraba 9 minutos, aunque el verdadero impacto fue más adelante con el estreno de Muchacha ojos de Papel, en la que el público ante tanta emoción  por tremenda canción,  salían llorando  de los conciertos. Esto hizo que la imagen de Almendra cambiara y mejorara; de cierta manera se los dejó de ver un poco como unos adolescentes freaks de pelo largo, a un grupo que se los tenía que tomar en serio.

En un principio con el boca en boca  y pocos singles publicados,  Almendra era un mito algo extraño y no te esperabas mucho de esos adolescentes vestidos de colores. En tanta mirada conservadora de la industria musical local, era casi imposible un contrato discográfico para ellos, sin embargo la publicación de los primeros singles como "Tema de Pototo" y "Hoy todo el hielo en la ciudad" cambió un poco las cosas.

La realidad era que a  Almendra la industria no lo querían mucho por su imagen, pero si por sus canciones, es así que algunos artistas del sello RCA en donde sacaban sus singles empezaron a versionarlos. Es aquí donde aparece la figura de Leonardo Favio, cineasta y cantante de baladas románticas, quien  tomaría prestado "Tema de Pototo" (cuenta la historia de que Spinetta lo compuso porque pensó que un amigo se le murió y era una broma que le hicieron), para su primer disco. Con el éxito del disco, y algunas repercusiones de la prensa, abriría la posibilidad de que Almendra publicara su primer disco, que no les costó mucho darle forma porque temas ya tenían y bastantes, que salieron de componer en la casa de los padres de Spinetta. 

Desde un principio la idea del disco es crear un cambio de paradigma en todo el aspecto cultural musical en Argentina, con una mirada bastante surrealista desde la tapa: Aquel hombre rosa con la sopapa, que es un dibujo de Spinetta como respuesta a la discográfica que quería una simple foto del grupo de tapa, porque era la tendencia en la época (La historia cuenta que la discográfica "extravío" la tapa y El Flaco la dibujo devuelta inmediatamente exigiéndoles!! esa tapa).

Las ilustraciones del álbum dan una idea de concepto, algo que para la época se lo veía muy lejano para un disco cantado en español. Estas ilustraciones daban una especie de códigos sobre qué significado tenía cada tema según un objeto de aquel hombre rosa de la tapa. Por ejemplo, la  Lágrima significa "temas que están en el brillo de la lágrima de mil años que llora el hombre de la tapa",  el Ojo "temas que canta el hombre de la tapa desmayado en el vacío" y la Flecha-Sopapa "temas que les cantan los hombres a esa lágrima del hombre de la tapa, atados a sus destinos", creando ya una especie de universo poético previo al poner el disco. 

Si bien la discográfica no les dio muchas posibilidades de producción ya que eran la banda nueva, se las arreglaron para agregarle algunos detalles como la inclusión de Rodolfo Mederos, un músico de vanguardia tanguera que había hecho amistades con Spinetta para el arreglo de bandoneón en "Laura Va". Además de a diferencia de los singles, que tenían una impronta más comercial, eligieron la mayoría de los tracks más experimentales para el disco, dándole una calidad realmente inesperada. Más allá de eso, la calidad de producción es paupérrima en cuanto a estudio se refiere, esto se debe más que los estudios en argentina en esa época era estudios que no estaban acostumbrados al Rock sino al Folklore y al  Tango, por eso mismo la  forma de grabación fue totalmente distinta a lo que se esperaba, no es raro encontrar algún que otro acople sonoro en los tracks.  

La salida de este disco dio la fuerza necesaria para que el movimiento se afianzara, siempre desde el underground, pero abriendo la cabeza a muchos grupos que estaban en ese momento pensando que camino hacer. El disco fue un cachetazo, un martillazo en la cabeza que les dio a esos grupos la respuesta, que era simplemente tener identidad propia. Por algo hace 20 años le preguntaban a la gente cual era el mejor disco de Rock Argentino y te decían que era éste sin duda alguna, creo yo no por su calidad, sino por el impacto que generó en la cultura. Tal fue su impacto en Buenos Aires, que una seguidilla de grupos y solistas empezaron a aparecer y a hacer una comunión entre ellos y a crear así un universo de referentes propios.

 

El disco abre con el clásico Muchacha (Ojos de Papel) el tema es una balada folk con una linda y rápida intro, y algunos acordes menor séptima que sirven de geniales adornos para el lento interludio "Sueña un sueño despacito entre tus manos, hasta que por la ventana suba el sol" entre las estrofas que nos dice "Muchacha ojos de Papel, adonde vas, quedaré hasta el alba". La clave es la explosión que logra desde la primer estrofa, envolviendo un poco a uno en la historia del tema. La cantan Spinetta, junto a los otros integrantes del grupo que les hacen ese enternecedor coro. La historia del track muchos la conocen, se inspira en la primer novia de Spinetta, Cristina Bustamante. La letra está llena de pasajes surrealistas,  y alguna referencia de sus primeras relaciones sexuales: "Y no hables mas muchacha, corazón de tiza, cuando todos duerman te robaré un color"  sentencia el estribillo animando objetos inanimados. Una de las mayores inspiraciones de Spinetta para esto fue Miguel Abuelo y su single "Mariposas de Madera". 

El segundo tema es la experimental/proto progresiva, Color Humano, compuesta por Edelmiro Molinari. Aquí Almendra roza sin quererlo, la Psicodelia Oscura, con ese aire Folk del principio, y sobretodo, con la seriedad con la que encara el track Spinetta, aunque aquí el que mas destaca es sin duda Molinari, desde aquel punteo del principio y el jugueteo con el wah wah distorsionado mientras canta El Flaco. Cerca de los 2 minutos la tonalidad cambia para luego volver al principio, y darle lugar a un largo solo de Molinari, que dura al rededor de 5 minutos, en el que los efectos y algunos cambios atonales juegan el mejor papel, llegando al clímax se vuelve a la frialdad de Spinetta que nos dice desde lejos "Vida y sangre sin ardor, no hace falta hay calor, no miremos hoy, descansemos hoy". Poéticamente no es tan rico como los otros al ser un tema de Edelmiro,  quien trata de darnos una especie de mensaje naturista sobre la humanidad. Por suerte si se emparentara con los siguientes temas del disco, lo único negativo es que aunque  track logra su cometido de ser experimental y en cierto punto para la época es realmente adelantado,  este es el que peor sufre la producción de la época al ser el tema más "Rockero". 

El siguiente tema es otro Folk, Figuración, con un aire campestre gracias a la flauta del principio la letra es muy existencialista y le habla directamente al hombre de ciudad totalmente alienado por su trabajo y vida cotidiana. El silencio que genera luego del minuto 1, da pie para un pequeño estribillo que se repetirá luego a la misma fórmula. Este track pierde un poco en producción que le dio el grupo, sobre todo en esos fríos coros del final, más allá de eso la letra es muy rica, y de  las de Almendra, está entre mis favoritas " La realidad es caminar igual, tú ya no eres hombre pero llorarás". 

El cuarto track es la rápida Ana no Duerme, rozando esta vez el Rock pesado, con un riff rockero desde el principio y el jugueteo del bajo con la guitarra de Molinari en un track que crece y explota en su genial estribillo "Ana no duerme, juega con hadas, tal vez mañana despierte". Y de pronto, un cambio lento de tiempo y de tonalidad para volver a empezar. La letra habla de una especie de mujer "desquiciada" en su cuarto que "espera el día" aunque es medio difuso de que puede tratar el tema si tiene atisbos oníricos de revolución sexual y también emparentado un poco con el feminismo por la figura independiente que tiene Ana en la canción. Otro pequeño detalle es que el nombre lo sacaron de la misma hermana de Spinetta llamada Ana, aunque la idea no está basada en ella, sino más que nada en el tema "Diana divaga" otro tema de Miguel Abuelo, esta vez en Los Abuelos de la Nada. 

El lado B del Long Play abre con otra balada Folk, Fermín, que empieza  entre el jugueteo con el trémolo y los coros para que luego entre Molinari con un órgano. Este track es más parecido a Ana no duerme, en el concepto de que el ritmo de pronto va creciendo para volver al principio, aunque armónicamente y rítmicamente es totalmente distinto. En la armonía  vemos disonancias y acordes aumentados, sobre todo en la intro, mientras que rítmicamente es mucho más lento al ser una balada. La letra está inspirada en un vecino de Spinetta llamado "Carlitos" en el cual padecía Síndrome de Down: "las manos de Fermín giran y el también", y que por esto en ciertos aspectos de su vida fue abusado. "Hoy tu tristeza al sol, quiere ser real, aunque no lo creas". El track en si trata sobre los marginados que buscan felicidad y no la consiguen y lamentablemente nunca la conseguirán hasta morir… "Fermín se fue a la vida, no se cuándo vendrá", mientras muere la armónica del final.  

Luego llega A Estos Hombres Tristes, un tema  con ritmo de Jazz aunque en realidad el tema por los cambios de ritmo y tonalidad es inclasificable. Desde el principio tiene una impronta Jazzera, culpa claro está, de Rodolfo García, quien aquí es uno de los mayores protagonistas con ese Beat percusivo que le da una forma mas acústica. Además de los constantes cambios de tiempo,  la atmósfera es desoladora, con cierto aire Tanguero, sobretodo en sus letras, que en mi opinión es una de las mejores del repertorio de Spinetta. Otro canto en contra de la ciudad y la alineación urbana, como si fuera una especie de manifiesto el cual emplea el aura anti modernidad que es todo el disco "Cuanta ciudad, Cuanta Sed y tu un hombre solo" dice el estribillo. Sobre el final los solos de Molinari, rematan el aire de Jazz que da el track. 

El siguiente track Plegaria Para un Niño Dormido, es una canción de cuna que se transforma en una tierna balada. La idea del track es transportar al oyente al momento de inocencia que se tiene en la niñez. Los arpegios del órgano y el enternecedor canto de Spinetta es simplemente mágico. Lleno de letras realmente visuales y con cierto aire otra vez Tanguero, inundando de melancolía en cada oración  "Que nadie, nadie despierte al niño, déjenlo que siga soñando Felicidad, destruyendo trapos de lustrar, alejándose de la maldad". La letra funciona al igual que en Fermín, como un canto en contra de lo marginal. Aquélla dice que tenemos que proteger a los niños y se basa seguramente en la imagen de algún niño carenciado " Jugueteando inquieto, en los jardines de un lugar, que jamás despierto encontrara". 

Continua Que el Viento Borró tus Manos, el primer tema compuesto  por  el bajista del grupo Emilio del Guercio. Si bien lo considero el peorsito del disco, ya que letrísticamente se queda un poco atrás, la verdad que como segundo cantante del Guercio funciona bastante bien y el Ritmo de Jazz con mezcla de tango es una extrañeza (además del cambio de compás sobre el final). Pero la ausencia de complejidad en otros aspectos (Tonalidad y letra por ejemplo), hace que se note bastante el cambio de calidad, siendo el único bajón del disco realmente, hasta sonando un poco repetitivo, no tanto por la calidad del track sino que creo que se queda atrás con el resto de los temas. 

El último tema es Laura Va, una balada con arreglos de violines y bandoneón, que nos hace pensar que quisieron hacer una especie de homenaje  a "She Leaving home" de los Beatles, con un aire porteño. Y les salió bien!! ya que es un gancho excelente para terminar un disco tan enternecedor. El tema empieza como una balada que va creciendo entre los arreglos orquestales y el bandoneón de Rodolfo Mederos, que entra cerca de la mitad del mismo. La letra también es enternecedora, "Laura va, unos pasos la alejan del pueblo aquel, donde ayer jugaba al salir de la escuela". Se trata de una chica que se despide de su hogar, que creció y empieza ya su vida como adulta, con su nuevo amor, terminando el disco con esa escena  casi cinematográfica. 

 

En fin como verán, el disco en si es un canto a la inocencia, y los marginados de la vida cotidiana, dedicado justamente a "Estos hombres tristes", le responde a una gama muy amplia de oyentes, y  consigue de esta forma ser artísticamente revolucionario.  Además de ser un genial manifiesto anti modernidad, la calificación de diez y la condición de Disco Icónico de esa época le quedan redondo, a pesar del tema en azul, que creo no le resta calificación al disco por lo superlativo de los otros tracks. 

Posteriormente Almendra dejaría la inocencia de lado, y se meterían ya de por si a recorrer caminos más complejos y duros, razón por la que más adelante cambiaría el rumbo de la historia del Rock Argentino, que gracias a este disco ya demandaba calidad para todos sus seguidores.                       

 

 

Por Homer 

 

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