THE DARK SIDE OF THE MOON (Pink Floyd, 1973)

Artista: Pink Floyd (B+)
Año de Grabación: Jun 1972 – Ene 1973
Fecha de Lanzamiento: 17 de Mar de 1973, UK
Discográfica: EMI/Capitol
Productor: Roger Waters, David Gilmour, Nick Mason, Rick Wrigh
Calificación:
10 (DISCO ICÓNICO) 

 

Era: Progresivo (1968-???)

Subgénero: Art Rock   

Mejor Canción: Time
Canciones: 1) Speak To Me/Breathe; 2) On The Run; 3) Time; 4) The Great Gig In The Sky; 5) Money; 6) Us And Them; 7) Any Colour You Like; 8) Brain Damage; 9) Eclipse.

 

Ok, este ha sido llamado por muchos el mejor disco de todos los tiempos, el non-plus-ultra de la historia del rock, el único que ha estado más de catorce años en las listas de Billboard y lo más cercano a la perfección musical que se haya hecho jamás. Bueno, sólo les falta fundar una religión basada en su filosofía. Y tienen razón, en parte. Francamente no me voy a poner a discutir esto. Vamos a decir pues, que el Dark Side es tan perfecto como el Sargeant Peppers y que ambos comparten la cima universal del rock. A buen entendedor…
En esta reseña no pretendo ahondar demasiado en lo que ya se ha dicho tantas veces sobre la grandeza de este disco. Vamos a analizarlo desde el “lado oscuro” del Dark Side, las canciones y el “lado brillante”.

 

 

El Lado Brillante del Dark Side of The Moon:
Este disco es tremendo. No hay necesidad de hacernos los snobs negándolo. Es uno de los discos que más influencia han tenido sobre el resto de las bandas, un puente al resto de la discografía de Floyd y a las demás bandas progresivas de la época. Creo firmemente que quien se engancha con este disco, cambia su perspectiva musical para siempre, ya que ocasiona un hambre de más música de calidad, de ésa que no se encuentra tan fácil en FM.

 

Pink Floyd logra aquí como en ningún otro LP suyo, sumergirnos en las atmósferas que quieren, con sonidos acordes a la “edad” o al tema lírico que interpretan. Las letras están hechas en su totalidad por Waters, dando inicio con ello a la dictadura sobre la banda que duraría hasta su expulsión, pero en esta ocasión, que el concepto entero del disco fuese suyo supongo que no importó a los demás miembros del grupo. De las letras nos encargaremos adelante. Sobre la música, hay que decir que al fin se logran cortar de manera definitiva el cordón umbilical que tenían hacia Syd Barret. En este disco ya no se percibe ni un resquicio de su sombra y eso es bastante positivo en el resultado final. Floyd por fin tiene una dirección propia, ya no hacen jams tratando de emular la locura de su ex líder, y aunque recurren al tema durante el disco, esta vez lo hacen con un sentido perfectamente claro y a través del concepto del disco entero, sin canciones épicas en las que cada quién hacía lo que quería. Aquí se aprecia UNIDAD.

 

Por otro lado, Gilmour, que ya venía afilando su estilo, logra perfeccionarlo aquí con esos solos fríos y matemáticos, perfectos, de notas agudísimas. Ya se veía venir desde el Meddle, pero en este disco Gilmour logra por fin ese estilo tan particular que lo hace reconocible aquí y en China. Sin llegar a ser un virtuoso en cuanto a velocidad, lo es en cuanto a técnica, y logra hacer canciones sublimes, a las que no les falta ni le sobra una sola nota. Sabe perfectamente cuando hacer un slide, cuando usar el tremo, cuando hacer chillar su guitarra con los sonidos más agudos y cuando simplemente acompañar. Los demás integrantes saben reconocerlo y evitan esos inútiles duelos de instrumentos y egos que se oían en los anteriores discos. Roger luce mucho más discreto en el bajo, pero también hace papeles tremendos como en Money, que lleva un riff para levantarle un monumento. Rick Wright hace arreglos muy atmosféricos y suaves, y se discute con una obre de arte como The Great Gig On The Sky y la intro de Us And Them, pero me parece que abusa en el uso del sintetizador en On The Run. Ya ahondaremos más adelante. Por otro lado su participación se ve opacada en otros temas por la inclusión de saxofones. Mason se luce en casi todas las rolas sin opacar. Sabe llevar los temas en crescendo hasta los orgasmos musicales como en Money, y en Us And Them me encanta la cadencia que usa y los arreglos que hace cuando la canción sube.
El disco está lleno de una producción que no se había escuchado hasta entonces. Los Floyd no solo agregaron coros femeninos muy gospelianos y sax a su sonido, sino que estuvieron grabando infinidad de sonidos y entrevistas al personal del estudio Abbey Road que insertaron en el disco de manera bastante acertada. Tenemos sonidos de máquinas registradoras, un corazón latiendo (el bombo de Mason), un montón de relojes sonando al mismo tiempo, helicópteros, explosiones, etc. Sobre las entrevistas, a Waters se le ocurrió hacer preguntas sobre los temas que trataba el disco y anotarlas en tarjetas. Iba de un lado a otra haciendo las preguntas y grabando las respuestas por todo el estudio. Chris Adamson dice: “I've been mad for fucking years, absolutely years, over the edge for yonks...". Roger Manifor “The Hat” fue quien dio algunas de las respuestas más inesperadas como "give 'em a quick, short, sharp shock..." and "live for today, gone tomorrow, that's me...", mientras que Peter Watts dio su risa maniática que escuchamos en Brain Damage. Como dato curioso a Henry McCullough, guitarrista de Paul McCartney en Wings, le preguntaron cuando había sido la última que se había puesto violento. Dio alguna respuesta y la siguiente tarjeta fue “Tenías razón en ello?”. Su respuesta fue "I don't know, I was really drunk at the time" que también se puede escuchar en el disco.

 

Finalmente, otro de los puntos a destacar es el sonido cuadrafónico. Aunque se supone que The Who fue de los que se adjudicaron la paternidad de este efecto, este es uno de los primeros discos donde los sonidos literalmente te dan vuelta a la cabeza. Escucharlo con audífonos es toda una experiencia, y uno se marea en medio del remolino que gira y gira en On The Run, escucha las guitarras contestándose de un lado a otro, las risas, los ruidos de los relojes perfectamente diferenciados llegando desde distintos puntos… En fin, una delicia auditiva.

Supongo que está de más, pero para no arriesgar les comento que el disco es una obra conceptual, con temas relacionados en los que se va describiendo diferentes etapas en la vida, desde el nacimiento, pasando por presiones de la vida, el efecto del tiempo, la guerra, del dinero, hasta que finalmente llega la locura definitiva y la muerte. Vayamos canción por canción:

El disco abre con "Speak To Me", que no es realmente una rola sino latidos de corazón creados por el bombo de Mason, a quien se le atribuyó originalmente la autoría. Este track sólo es un simbolismo del nacimiento o la vida que inicia. Luego se unen algunos sonidos que se escucharán a lo largo del álbum: cajas registradoras, risas dementes, gritos, un helicóptero, las presiones que vendrán a lo largo de la vida. Los gritos de mujer simbolizan el dolor del parto e inmediatamente, después de un repentino crescendo, se enlaza con Breathe, que es lo primero que hace uno al nacer. La repentina subida con el helicóptero y los gritos al final de "Speak To Me" contrasta con la armonía suave de Breathe, que da curiosamente una sensación de respiro después de un ligero ahogamiento. En "Breathe", Gilmour inicia con un guitarreo lento, casi arpegiado, mientras Wright hace efectos slide con su teclado que intercala con el verdadero slide de la guitarra de David. La canción es tranquila, llena de cadencia, representando acaso la infancia. Las letras parecen dar la bienvenida al mundo al pequeño en la primera parte. En la segunda parte las letras señalan las presiones de la vida, las rutinas, el trabajo repetitivo y la pérdida del sentido de lo que hacemos, como una advertencia al recién nacido. Las letras están hechas con metáforas llenas de inteligencia pero sin ser demasiado obvias, sobre todo en la segunda parte. Musicalmente es bastante destacada a pesar de ser lenta. Me encanta en particular el bajeo de Waters, que demuestra que no tiene que alocarse ni exagerar para hacer un buen trabajo. Los teclados y guitarra se combinan para crear una textura más bien dulce, adormecida, contagiándonos de la tranquilidad que emana la canción. La voz de David suena fría e inexpresiva, pero con mucho cuerpo, un estilo que también era característico desde un par de LP´s anteriores pero que aquí perfecciona. La canción, a pesar de su tranquilidad y sencillez en estructura, no deja de tener bastante inteligencia desde las letras hasta en las intercalaciones de sonidos que van haciendo Gilmour y Wright en sus respectivos instrumentos.

Irónicamente sin dar respiro, Breathe se enlaza con "On The Run". Esta es una secuencia de un sintetizador usado por Richard Wright con arpegiadotes. Se presume que la canción fue hecha en una sola toma, lo cual es para resaltar ya que los sintetizadores eran una novedad en esos años y su manejo era tremendamente complicado. El que se usó en este tema abarcaba toda una pared. El tema no tiene letra, pero el título y el enlace con Breathe nos da una referencia a la prisa con la que se vive hoy día. Después de un rato comienzan nuevos efectos y da la sensación incómoda de paranoia y desesperación. Suena una voz que dice “Live for today, gone tomorrow, that's me” y efectos como de flashes que vienen y se van de una bocina a otra. Al final se escucha el sonido de un avión o helicóptero que cae y suena una explosión que tarda en difuminarse (el arpegiador también puede interpretarse como el sonido de las hélices girando). Al ser un tema tan abstracto, es difícil su interpretación. Sin embargo una de las explicaciones que más me gustan es que este track corresponde a la edad de la adolescencia donde el muchacho comienza a vivir a las prisas, a caer en el juego de los adultos y a perder su inocencia, simbolizada por ese estallido que se escucha al final. Los miembros de Floyd han mantenido un silencio hermético respecto al significado que dieron a este tema más allá de la experimentación instrumental que significó en esas fechas, por lo que sigue abierto a múltiples interpretaciones.

Después de un breve silencio suenan varios relojes al mismo tiempo creando una parafernalia, y comienza un tic-tac-tic-tac marcando el ritmo de "Time". La guitarra de David suena dantesca en esta intro con ese DOOOM- DOOOOOOOM DOOOOOOM!! DoroDOOOOM!! Mientras Wright y Mason comienzan a crear cierta tensión al fondo. Rick va haciendo sonidos sostenidos difuminados con una mano y un organito medio infantil con adornos muy monos en la otra, entre psicodélicos y jazzeros. Nick hace redobles solitarios con sus tambores, elevando lentamente la tensión hasta que la canción por fin revienta. Sin duda esta es una de las intros más gloriosas del rock. Time es de los temas clásicos de Floyd. En esta canción continúa el diálogo entre la guitarra y el teclado, haciendo arreglos muy semejantes y respondiéndose durante los versos. Los coros femeninos toman un papel relevante dando una atmósfera más espiritual a la canción.
Las letras nos meten de lleno al tema del tiempo, a su relatividad dentro de la vida humana y en general, a la manera en que lo desperdiciamos sin darnos cuenta, haciéndonos caer al final en sus presiones y llevándonos a vivir a las carreras pero sin demasiado sentido. En la primera parte hay unos versos que destacan: “You are young and life is long and there is time to kill today”. Este verso sigue con la idea de las “edades” que abarca el disco. Uno sigue siendo joven, idealista, hay demasiado tiempo en el futuro, por lo que hay que matar el tiempo hoy. “And then one day you find ten years have got behind you, No one told you when to run, you missed the starting gun”. Cuando uno menos piensa la vida ya se fue, y las oportunidades perdidas jamás regresan. Luego viene un requinto monumental junto con una elevación en la fuerza de la canción. En realidad el tiempo sigue igual, pero la guitarra lenta y con potente distorsión le da muchísima fuerza a la rola. Este es otro de esos solos de precisión exacta, que no destaca por su rapidez, sino por el efecto que causa al oyente y la conjunción que alcanza con la atmósfera creada por el resto de instrumentos. Después del solo hay otro par de versos que resumen la idea lírica: “The sun is the same in the relative way, but you’re older / Shorter of breath and one day closer to death”. La idea del tiempo asociada al desperdicio, lo cual lleva a una muerte sin haber vivido realmente, lo cual se confirma en el último verso: “The time is gone the song is over thought I’d something more to say”. Al final viene contenido un reprise de “Breathe”, que puede interpretarse como un respiro que se da al regresar a casa y descansar un poco, o que también se puede considerar como un nuevo hogar que se forma ante el “sonar de las campanas que llama a los fieles”, es decir, el matrimonio, lo cual va de acuerdo con la línea cronológica de la vida de la persona. Este reprise conserva la estructura general de Breathe, con los sonidos de guitarra y teclado muy semejantes al tema original, pero el bajeo no luce tan profundo. Finalmente se liga con la siguiente canción.

The "Great Gig In The Sky" iba a ser un tema instrumental sin participación de voz alguna, salvo una lectura bíblica, pero se dieron cuenta que a pesar de que el piano sonaba muy bien, carecía de suficiente fuerza para hacerla sólida. Tras varios intentos que no les convencieron llamaron a Clare Torry y le dieron total libertad creativa en la inserción vocal. El resultado es sorprendente. Clare quedó inmortalizada en historia del Rock con esta interpretación tremenda, que a pesar de no tener letra, se lleva la canción y la convierte en parte destacada del disco. Torry hace gala de un registro vocal amplísimo, lleno de emociones, rasgando el grito o alcanzando tonos agudos y limpios y dándole una energía y sensibilidad que ningún instrumento o voz de los miembros de la banda hubiera podido proporcionar. La canción fue atribuida originalmente a nuestro recién fallecido Richard Wright, y es un piano de pocos tonos, pero bastantes notas y arreglos que van llevando la canción por vaivenes orgásmicos junto con la voz. Se dice que este tema tiene implicaciones religiosas. Antes de que entre la voz femenina, se escucha la siguiente frase: “"And I am not frightened of dying, any time will do, I don't mind. Why should I be frightened of dying? There's no reason for it, you've gotta go sometime." Sin embargo por ser una mujer quien la interpreta se puede tomar también como la convivencia con la esposa, a veces tranquila, armoniosa, a veces tempestiva y desgarradora. A mi muy subjetivo punto de vista, prefiero creer que esta canción es sobre el sexo, iniciando cadente, dulce, subiendo de ritmo despacio hasta volverse frenético y salvaje. Esta canción tiene además unos 6 o 7 clímax, muy por encima del promedio de canciones, salvo quizá Since I’ve been loving you. Tenga razón o no sobre su simbolismo, esta canción es muuuuuuuy recomendable como fondo para hacer el amor.

"Money" es otro monstruo (en el buen sentido) dentro de este disco. No va ligado con el tema anterior ya que este tema abría el lado B. Tras un breve silencio comienzan a escucharse sonidos de monedas y máquinas registradoras con un ritmo específico sobre el cual comienza el riff majestuoso de Waters al bajo. Este instrumento es el que va guiando y llevando la canción entera en un tiempo de 7/4 siendo un ritmo muy raro. Al fondo los teclados van creando adornos y la guitarra suena con un tremo furioso. Encontramos un solo de sax en el que se dio total libertad creativa a Dick Parry, y un cambio de ritmo al standard 4/4 durante el solo de guitarra, donde destaca la escala descendente que marca el regreso a los 7/4 y al siguiente verso. Líricamente Roger muestra bastante sarcasmo e ironía en las letras, mostrando el poder e influencia que puede tener el dinero cuando se usa como fin y no como medio, corrompiendo a las personas. La primer línea “Money get away” muestra un a ligera resistencia a caer a su seducción, pero en el resto de la letra va mostrando como se deja llevar a la tentación y se va deshumanizando poco a poco en la ambición. Destaca la siguiente frase: “Money, its a hit / Dont give me that do goody good bullshit.” Y en la parte final “Money, its a crime / Share it fairly but dont take a slice of my pie”, lo cual hace referencia a que las personas somos concientes de los crímenes que podemos provocar por dinero, dejando a otros morir de hambre con tal de que no toquen “nuestra parte”. La canción termina en un lento fade out en el que se escuchan distintas frases, como “I Certainly was in the right”, y la ya mencionada “I dont know, I was really drunk at the time!”

Al terminar Money, se enlaza con el siguiente track correspondiente a “Us And Them” a través de un órgano que suena muy de Iglesia. Este tema nuevamente recurre a atmósferas tranquilas y muy atmosféricas, donde Wrigh se lleva las palmas con los arreglos arpegiados en teclado. La armonía lenta y atmosférica contrasta con las letras que refieren a la guerra. Una de las primeras frases “And after all we're only ordinary men” destaca quienes son los que luchan en los frentes, gente común y corriente que poco o nada tiene que ver con los intereses de quienes firman las declaraciones de guerra: “God only knows it's not what we would choose to do”. Hay partes en que la canción eleva su intensidad sin que puedan llamarse precisamente coros. Aquí entra de nuevo el efectismo y espectacularidad sonoros al incluir coros femeninos, teclados orquestados y sax, para regresar después a la secuencia cadente y relajada con que dio inicio. Al final viene otro verso relevante: “With, Without / And who'll deny that's what the fightings all about”, haciendo quizá una conección con la rola anterior. Quién puede negar de lo que tratan todas las peleas… Dinero? Dick Parry vuelve a destacarse con hermosos arreglos de sax a lo largo de la canción.

"Sigue Any Colour You Like", una canción instrumental, que en ocasiones parece un jam en el que el teclado va llevando la dirección. En esta canción no hay nada que nos haga una referencia a su sentido o significado, ya que no incluye efectos ni entrevistas. El título del tema tampoco da muchas pistas ya que es más bien anecdótico. Se trata de una broma hecha por uno de los técnicos de Abbey Road, cuando decía sobre el auto Modelo T de Ford: “Puedes tenerlo en cualquier color que quieras, siempre y cuando sea negro”. Si nos vamos a esta anécdota y a la “edad” cronológica del disco, se puede decir que se refiere a la pérdida de libertad, o a una libertad ficticia, una posible metáfora para la vejez. Musicalmente es bastante colorida y con efectos psicodélicos en los teclados, pero sigo con la idea de que en esta canción no tenían una idea muy clara de lo que querían y a mi punto de vista representa uno de los puntos débiles del álbum, aunque no lo suficiente como para considerarla mala u ofensiva al oído.

En la parte final del disco tenemos "Brain Damage", una rola bastante curiosa con música minimalista, apenas arpegios, algunos arreglitos y batería muy discreta al principio. Lo que más destaca sin duda es la letra, y ese tema principal: “The lunatic is in the grass / The lunatic is in the hall / The lunatic is in my head”. Otra frase destacada es “There's someone in my head but it's not me”. Las letras hacen referencia directa a la locura y la pérdida de la realidad. El verso “Remembering games and daisy chains and laughs” hace referencia a la senilidad y recuerdos de la infancia y juventud con la que se supone que se cierra la etapa vital antes de morir. Sin embargo también hay una frase que hace mención a Syd Barret: “And if the band you're in starts playing different tunes / I'll see you on the dark side of the moon” que habla de las épocas en que Syd se ponía a tocar cosas que no correspondían a lo que el resto de la banda tocaba, durante sus momentos de fama en el ‘67.

El cierre del disco corresponde a "Eclipse", que también se liga al track anterior mediante el cierre de Brain Damage de un teclado muy estroboscópico y unos tamborazos de Mason que la ligan a Eclipse con una intro bastante psicodélica en escala ascendente. Musicalmente tampoco es bastante relevante al tener apenas unos tres tonos que se repiten una y otra vez, pero hace un cierre magnífico del disco elevando constantemente la tensión con los efectos de coros magnificentes al fondo mientras que las letras van haciendo un repaso de acciones trascendentes en la vida, pasando por el amor, los sentidos, las peleas, las creaciones y destrucciones, lo dicho y hecho, las gente conocida. Los versos finales de la canción dicen: “All that is now, All that is gone, All that’s to come, And everything under the sun is in tune, But the sun is eclipsed by the moon.” Líricamente no es lo más apantallante pero me parecen una clara referencia a la muerte, y al instante previo en el que uno va a morir y ve pasar toda su vida frente a sus ojos. El título del tema también hace referencia vaga al dar la imagen de una luz sobre un círculo, la famosa “luz al final de túnel”. Y para redondear, el disco termina con los latidos de corazón apagándose lentamente hasta llegar al silencio.
Así pues, recorremos en esta obra desde el nacimiento hasta la muerte de un ser humano pasando por los momentos e influencias cruciales de su vida. A pesar de ser una obra conceptual y unificada por una idea, las canciones marcadas en rojo que de paso son las mejores, funcionan perfectamente como canciones individuales, y algunas incluso fueron lanzadas como sencillos. Time en particular tuvo algún éxito, pero lo abrumador del álbum hizo que la gente se lanzara por el disco completo en lugar de canciones sueltas.

 

 

El Lado Oscuro del Dark Side Of The Moon:
Ok. Para los que no entendieron el sarcasmo del primer párrafo, El Dark Side NO es el mejor disco de Pink Floyd ni el Sgt. Peppers es el mejor disco de los Beatles. Así que difícilmente pueden ser los mejores discos del universo universal. No se decepcionen, esta impresión suele ocurrir cuando nos dejamos guiar por las opiniones de la Rolling Stone y VH1 (MTV no cuenta porque ni siquiera se acerca a este tipo de música).

 

No se alarmen, el DSOTM no deja de ser un discazo ni de jugar su papel en la historia, pero seamos francos, es un disco 1) Sobreproducido y 2) sobrevalorado. Ambas van muy de la mano.

 

El disco contiene una cantidad impresionante de efectos no musicales que tienen precisamente ese propósito: impresionar. Musicalmente, lo he dicho y lo repito, este no es un disco progresivo, contrario a lo que muchos opinan. Me atrevo a decir que es el disco más comercial de Pink Floyd, con canciones que en el mejor de los casos se les puede llamar rock a secas y en el peor, un pop-rock inteligentísimo y muy bien manufacturado. Pero las canciones no tienen estructuras atrevidas y arriesgadas, son tonos con ligaduras y escalas comunes, y que están perfectamente maquilladas por esa cantidad de efectos y coros. Me pregunto qué hubiera sido de este disco sin las sobreproducción que se carga. Ya sé que me van a llover críticas, pero antes de hacerlo escuchen el Meddle, de un par de años antes, el cual es superior en el aspecto progresivo y musical, así como el Wish You Were Here o el Animals, posteriores a éste disco. Sin estar tan cargados, lucen tremendamente más inteligentes y crudos. Son impresionistas, mas no efectistas, y nos dejan ver a la banda de una manera mucho más transparente. Estos mismos efectos son los que han hecho que el disco sea TAN sobrevalorado y catalogado como una cima del rock para los impresionables. Ojo, no lo demerito en absoluto, y no digo como en otros lados que este disco es música de elevador. NO! El disco por sí mismo merece un 10, pero hay que bajarlo de pedestal y reconocer que hay obras mucho mejores, ya no digamos de otros grupos, sino del mismo Pink Floyd.
Mucho del mérito, pues se lo debemos atribuir a Alan Parsons como ingeniero de sonido, a Clare Torry y a Dick Parry. Además, muchos de los riffs y arreglos crudos más impresionantes son tomados de ideas previas contenidas en el Meddle o en el Obscured by Clouds. Cualquiera de estos discos con una producción igual de detallada le hubiera dado 10 vueltas al Dark Side… El aspecto lírico también es muy bueno, pero creo que se ha exagerado enormemente en comparación por ejemplo con el tema de Animals, que me parece aún mejor tratado que aquí. En fin, no es nada que destruya el mito de este disco, pero son cuestiones a considerar y tener los pies en la tierra al escuchar este álbum.

 

Ya para no aburrirlos, hay muchos covers del disco completo. Entre los más recomendables de los que he escuchado están el Dub Side Of The Moon de Easy Star-All Stars que hace una versión en reggae bastante admirable y con mucho éxito, para sorpresa mía. Incluso hay canciones que superan las originales. También está la versión que hizo Dream Theater dándole un poco más de poder a las guitarras y voz, pero sin hacer una transformación al metal como hubiéramos esperado.

 

 

Por Corvan 

 

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