DISRAELI GEARS (Cream 1967)

Artista: Cream (B) 

Fecha de Grabación: May 1967
Fecha de Lanzamiento: Noviembre 02, 1967
Discográfica: Reaction / Atco
Productor: Felix Pappalardi
Calificación: 10 (MUST HAVE)

 

Era: La Psicodelia (1966-1969)

Subgénero: Guitar Heros 

Mejor Canción: Sunshine for Your Love y Strange Brew apenas abajito.

Canciones: 1) Strange Brew; 2) Sunshine Of Your Love; 3) World Of Pain; 4) Dance The Night Away; 5) Blue Condition; 6) Tales Of Brave Ulysses; 7) Swlabr; 8) We're Going Wrong; 9) Outside Woman Blues; 10) Take It Back; 11) Mother's Lament.

 

Si tuviera que irme a una isla desierta y llevarme sólo 10 discos (con todo y reproductor y planta de luz solar), este sería uno de los elegidos. Sin duda. Esta es una de las obras cumbres de toda la historia del rock y no me canso de escucharlo y descubrirle cosas nuevas en cada ocasión. No es fácil escoger entre lo mejor del ’67, siendo a mi gusto el mejor año en cuanto a cantidad y calidad de rock producido, pero este disco vino a coronar un año glorioso donde encontramos algunos de los mejores trabajos de los Doors, los Beatles (hablo del Magical, no del Sgt.), Pink Floyd, Hendrix, The Who, los Velvet, los Jefferson, Janis, los Stones…

A diferencia del Fresh Cream, este es un álbum muy consistente, con algunas verdaderas obras de arte y algunas canciones menores, pero en donde se pueden encontrar también cosas bastantes interesantes. Incluso en la canción más débil, como Blue Condition, hay cierto encanto melódico a pesar de la adormilante voz de Ginger. El sonido de todos los instrumentos a lo largo del álbum es afilado y poderoso, con una tremenda producción: la batería del lado izquierdo, el bajo a la derecha y la guitarra girando por todos lados. Ah esa guitarra… Aquí Clapton ha descubierto a plenitud el uso del wha wha y la utiliza como un dios. Si en 1966 el grafitti que aseguraba esto sonaba exagerado, a estas alturas es algo innegable, y en gran medida a este disco debe Clapton ser considerado entre la trinidad de guitarristas. Después vendrán el Wheels of Fire, Derek & The Dominoes y otros de Clapton, pero ninguno tan consistente y experimental y perfecto como el Disraeli. Por su parte Ginger no sólo da unos impresionantes golpazos a su batería, sino que lo hace con exactitud de maestro, desplegando una técnica que lo confirmaría como uno de los mejores de la historia. Jack mejora notablemente sus habilidades como escritor, mucho en parte por la sociedad que hace aquí con Pete Brown y mejora también en la voz, logrando momentos muy buenos, aunque siendo realistas, el punto fuerte de Bruce es el bajo y no la pluma ni el micrófono. A pesar de demostrar que es un bajista enorme, creativo y rápido, Bruce no es un gran cantante ni un gran escritor, pero por otro lado este sería su mejor intento en estos rubros y se le agradece la entrega. En general, los tres músicos logran superar sus mayores debilidades, sobre todo el aspecto vocal, para sonar seguros y confiados de lo que hacen, dando mucha mayor fuerza a la música. Aquí los tres están en su mejor forma, y Clapton se atreve a salir de su trinchera de blues para experimentar con la psicodelia y el pop, que son la esencia y base del disco.

El disco pues, es un reflejo perfecto de ese mítico Verano del Amor, logrando un rock-pop psicodélico y con influencias de blues, muy parecido a lo que hacía Hendrix, pero al mismo tiempo desde el otro extremo. Es decir, mientras Jimmy es incendiario e impredecible, Clapton utiliza más la técnica y la elegancia (sin perder la fuerza), pero ambos haciendo delicias con la guitarra y los sonidos ácidos. Dos caras de la misma moneda.

Además, quizá ningún otro disco en la historia encaja de manera tan perfecta en cuanto a carátula y sonido. La tapa fue diseñada por Martin Sharp, un australiano que era vecino y amigo de Clapton. Y qué portada!! Totalmente groovy con colores intensos, unas alas saliendo del nombre de la banda, las tres caras en colores estroboscópicos… Parece que nos pusiéramos unos lentes de LSD y esta tapa nos resumiera el espíritu de dicho año, de una manera más efectiva y sencilla que la rimbombante carátula del Sgt Peppers. Además de diseñar la portada, Sharp se las daba de poeta y contribuyó con el poema que después sería la letra de “Tales Of Brave Ulysses”, por lo cual suena distinta líricamente al resto del material.

Sobre el nombre del disco, fue una de esas puntadas que bien le pudieron ocurrir a Ringo Starr. Originalmente el disco iba a ser sencillamente “Cream”, pero un día Eric discutía con Ginger sobre bicicletas ya que quería comprarse una de carreras; Mick Turner, que era un amigo casual escuchó la conversación y comentó: “it’s got Disraeli Gears” en lugar de “Derailleur Gears” lo cual es la maquinaria para los cambios de velocidades. Posiblemente estaba borracho o drogado, pero dio un título majestuoso a un álbum que merecía algo más que simplemente un “Cream” en la tapa.

 

La principal innovación del disco es la forma en que transforma el blues puro en un mágico y brillante blues-pop-psicodélico. "Strange Brew", la canción con que abre, es un ejemplo magnífico, y es la segunda canción más importante por aquí. Esta canción está hecha con tremenda inteligencia: sin dejar de tener impregnada toda el aura de 1967, sigue sonando fresca y actual, con un sonido perfecto, dulce y cadente, pero filoso y amenazador al mismo tiempo, con letras surrealistas sobre una bruja enamorada del narrador que encaja perfecto con el ritmo semilento y las voces en falsetto. Los arreglos de Clapton son simplemente exquisitos, basados en blues, pero cargados de ácido, con un requinto magnífico, lento como oleadas de notas, como si justificara su apodo de “Slowhand”. Chequen los redobles de Ginger!!! Y qué decir del bajeo, deliciosamente rítmico, llevando la canción en vaivenes. Y el cierre con ese minisolo de Eric para terminar de ponerle la cereza al pastel. Una canción redonda por donde se vea, y una muestra clara de la inteligencia y madurez que habían adquirido estos tipos al crear música.

La segunda rola es gigante. "Sunshine of Your Love" no solo es una de las mejores canciones de 1967, sino de toda la historia. Es quizá el riff más conocido e identificable de la historia, y bastante sencillo por cierto. Muchos chiquillos ni siquiera saben de quién es, pero lo saben tocar. Más que una obra psicodélica, es una canción de Hard Rock, poderosa, lenta, una avalancha de fuerza. Se dice que el riff (Qué riff!! QUÉ RIFF!!!) lo creó Jack Bruce por accidente cuando jugueteaba con su contrabajo. Además de la poderosa guitarra que logra por sí sola estremecer de pies a cabeza, la batería es demoledora. Francamente sé poco de ritmos, pero los bateristas con los que he tocado esta canción dicen que tiene un alto grado de dificultad ya que se toca “al revés”. Como sea, el riff de batería también es monumental y es identificable aquí y en China aunque no haya más instrumentos. Las voces se van secuenciando entre Jack y Eric, haciendo ambos un papel bueno para lo que pide la canción, y enlazándose perfectamente en los coros. Me encanta la parte en que Jack sube el tono en los segundos versos. El requinto al minuto 2 es de lo mejor de Clapton, vibrante cargado de energía, de blues encajando perfectamente con la secuencia de la canción.

La tercer canción es “World of Pain” una canción pesimista y melancólica, de ritmo lento, pero con instrumentación nuevamente perfecta, esta vez llevándose las palmas el Sr. Baker por tan buen trabajo en la batería. También cabe señalar los cambios en voz, donde Bruce inicia con una voz baja, quizá demasiado baja para él, y luego hace un falsetto agudo para llegar en este tono alto al coro donde se le une Eric. Deberían cantar a dueto más seguido, ya que sin duda es cuando más lucen las canciones de Cream.

Viene después “Dance The Night Away” donde apenas y se nota influencia de blues y es más bien una excelente obra pop. Eric se las ingenia para elevarse con su guitarra antes de cada coro, haciendo unos arreglos como de mandolina impresionantes, ya que no es un punteo a lo loco, sino pequeños solos que van preparando la entrada a ese gran coro: “Dancethe-NightaaWAYYYY”. Su guitarra jamás lució tan armónica, tan dulce, como un arcoiris al que le exprimiera notas y sonidos. Bruce y Ginger también lucen bestiales aquí pero sin duda el trabajo de Clapton es sobresaliente.

“Blue Condition” es el tema más débil del disco, cantado por Ginger. Salvo Don Henley, no hay muchos bateristas que puedan hacer un buen papel en la voz mientras tocan. Y en las versiones de estudio ni siquiera tienen que hacerlo al mismo tiempo. Pero esta rola demuestra porqué la responsabilidad vocal recae en Jack Bruce y Eric Clapton, aunque tampoco sean unos Pavarottis. Al menos es entonado, pero esa manera en que canta como adormilado y engripado es muy desagradable. En fin, la armonía musical no es mala y tiene algo de encanto. No es fuerte como las demás canciones, pero tampoco es realmente horripilante…

El segundo lado del disco lo abre “Tales of Brave Ulysses”, escrita por Sharp sobre las aventuras de Odiseo y por ello tan cargada de esa imaginación con sirenas, vientos tristes, peces morados que ríen y se pasean entre los dedos, olas espumeantes y diosas que se pasean en sus conchas nacaradas… la canción es fantástica en todos sentidos, con un ambiente sombrío, pero muy dinámico. Musicalmente es un maestral duelo entre el bajeo furioso de Bruce y la experimentación que hace Eric con su wha a todo lo que da. Una obra imaginativa y poderosa, gracias a las técnicas de los tres músicos.

Después está “SWALBR” que es la contracción de “She Walks Like A Bearded Rainbow”. La verdad que quien parece un arcoiris barbado es el sr. Clapton, con un riff nuevamente impresionante, más cargado de blues que las anteriores piezas. La guitarra suena veloz, llena de furia, haciéndola rugir literalmente en algunas notas y dotándola de mucho poder si sobrecargar el distorsionador.

La octava canción es “We’re Going Wrong”, otra canción depresiva y muy menospreciada por muchos. La canción está rodeada desde el inicio de un aura de tristeza que se contagia. Jack Bruce tiene aquí su mejor momento como vocalista, haciendo una melodía compleja y muy emocional en la que logra transmitir sentimientos oscuros. La melodía, casi toda en falsetto, es repetitiva, pero bien estructurada, y logra matizarla para no hacerla cansada o repetitiva. Baker por su lado hace una batería enorme desde el inicio, que parece no ir con ese especie de mantra cantado por Jack. Sin embargo encaja bien y va subiendo el ritmo cada vez más hasta terminar con una demoledora estructura que bien podría quedarle a alguna de las canciones tumba-montañas de Godsmack. Por su parte, Clapton hace rasgueos sencillos marcando los tonos en la primera parte, para hacer después un solo de guitarra en que recuerda mucho lo que hará unos meses después con los Beatles, no por que haga un solo igual, sino porque se siente cómo hace llorar su guitarra. No es tan compleja como otras canciones del disco, pero me parece que está muy bien hecha y son inmerecidas las críticas.

“Outside Woman Blues” es otra canción menor en el disco. Tomando nuevamente la base blues, el riff parece un tanto inmaduro y carente de fuerza, pero al menos la batería es bastante buena, sobre todo cuando Ginger da ese triple golpe. Al menos es mejor que “Four Until Late” del disco debut.

“Take It Back” es una canción pegajosa, cargada de pop y de ambiente festivo. Incluso se escucha por ahí una armónica. Los chicos parecen estarse divirtiendo a mares. Es una canción que se sostiene bien, pero no suena tan impresionante. La canción fue escrita por Bruce haciendo referencia a una manifestación en que estudiantes quemaron sus credenciales de reclutamiento. Así que esta es una canción contra el militarismo, una canción política disfrazada de tema festivo.

Finalmente está “Mother’s Lament” que es una melodía prácticamente “a capella”, con apenas un pianito, letras divertidas y una armonía bastante graciosa. No les recuerda a los Borbotones? O esa parte de “In a JAAAAAAAAAAAR” que se parece al jingle de “Two And a Half Men”. No es una canción seria, al contrario, es muy divertida, sobre todo si la escuchas con audífonos y la escuchas primero únicamente con el derecho y luego con el izquierdo.

 

En fin, una pieza enorme, que nos muestra a tres músicos que están considerados entre los mejores en sus respectivos instrumentos y en su mejor momento musical. Además la colaboración de Pete Brown en la composición les ayuda bastante, haciendo armonías más elaboradas y maduras. Clapton por su parte está en su momento más creativo y experimental, compitiéndole a Hendrix al tu por tu el título de mejor guitarrista. De principio a fin es un deleite, aunque haya un par de números que se quedan abajo que el promedio, estos no son realmente nefastos.

Actualmente muchos dicen que esta sobrevalorado. Yo opino lo contrario. Este disco lo pone Rolling Stone como el 112 de todos los tiempos. Por eso no soy yo quien dice que RS no sabe nada de música, son ellos mismos quienes lo hacen. Este disco sin duda debe estar entre los 10 mejores y más influyentes de toda la historia.

El disco fue terminado mucho antes que el Sgt. Pepper’s, pero la compañía discográfica retuvo su lanzamiento casi hasta el final del año. Sin duda este le restó muchísimo del impacto que pudo haber tenido, pero de cualquier manera se colocó desde entonces y hasta ahora en un disco revolucionario, magnífico e infaltable en cualquier audioteca, a pesar de los sacrilegios de esos "supuestos" expertos. Si no lo tienes no esperes que VH1 lo recomiende... qué esperas? Déjalo descargando mientras corres a la tienda de discos, este es un MUST HAVE!

 

 

 

Por Corvan  

 

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