LOUDER THAN LOVE (Soundgarden, 1989)

Artista: Soundgarden (D+)
Fecha de Grabación: Dic ’88 – Ene ‘89
Fecha de Lanzamiento: 5 de Septiembre de 1989, USA
Discográfica: A&M
Productor: Soundgarden & Terry Date
Calificación: 7.5

                          

Era: Grunge (1989-???)

Subgénero:  Grunge (1989-1997)

Mejor Canción:  Hands All Over

Canciones: 1) Ugly Truth; 2) Hands All Over; 3) Gun; 4) Power Trip; 5) Get on the Snake; 6) Full on Kevin's Mom; 7) Loud Love; 8) I Awake; 9) No Wrong No Right; 10) Uncovered; 11) Big Dumb Sex; 12) Full On (Reprise).

Es la onda que Soundgarden haya tenido a Robert Plant de vocalista invitado para este segundo disco. Eh… esperen… es Chris Cornell? En Serio? Tampoco es David  Coverdale? Jajaja, ya fuera de broma, creo que este es el disco más pesado y denso de Soundgarden. Si no se puede detectar la influencia de Black Sabbath y Led Zeppelin en los monstruosos riffs y algunas partes vocales de este disco, entonces no sé qué es eso que llaman influencia. Es básicamente una mezcla de estas bandas trasladada al mood de fines de los 80’s. Otra cuestión es que empiezo a preguntarme qué diablos es el Grunge. Este disco, por sus evidentes influencias es una mezcla demoledora de Hard Rock con tintes de Metal. Es pesadísimo, con atmósferas muy densas, y por momentos muy pero muy cargadas. Recuerda un poco a lo que hará con mayor maestría Alice In Chains, y es un polo opuesto de Nirvana, por lo que si Nirvana es el grupo por excelencia del Grunge, creo que es el único representante del género, ya que el resto de grupos tienen más que ver con un sonido denso y apocalíptico. Y si recibió influencias de los 70’s (y también de los 80’s, hay algo de The Melvins aquí), también es innegable que influyó en bandas como Wolfmother a posteriori. Hay tremendos riffs aquí, y buenas ideas, y mejoran bastante la producción, pero también toman algunos elementos del metal ochentero y por momentos el disco se vuelve muy denso, algo repetitivo y con trucos baratos, como algunos solos que intentan ser impresionistas por la metralla, pero no sientan del todo a la atmósfera semilenta de las rolas.

Después del lanzamiento debut, la banda se enfrascó en la gira Ultramega OK, la cual les atrajo más fans. La disquera A&M records se fijó en ellos y terminaron firmándolos. Soundgarden fue la primer banda de Grunge germinal en firmar con un sello relativamente grande, pero su base de fans se sintió traicionada. Lo cierto es que STT y los pequeños tugurios Punk en los que tocaban ya les quedaban chicos. A&M les dio una plataforma para darse a conocer a un público mucho más amplio al ayudarles a telonear a Guns N’ Roses y darles un presupuesto mucho mayor para el segundo disco. Uno de los que se sentían traicionados por abandonar la cultura underground de Seattle era precisamente el bajista Hiro Yamamoto.

El grupo se metió al estudio London Bridge de Seattle en Diciembre del ’88 y las sesiones duraron hasta finales de Enero, bajo la producción de Terry Date. Terry diría que las sesiones fluyeron rápidas y sin problema, pero la verdad es que Hiro se había aislado del resto del grupo, estaba en desacuerdo en la dirección que estaban tomando y esto causó conflictos en el aspecto creativo. Yamamoto dice que ya no lo dejaban aportar, mientras que el resto del grupo lo culpaban a él de encerrarse en una burbuja y de apatía. Chris terminó escribiendo 7 de los doce temas, y dice que la mayoría reflejaban su enojo y frustración del momento. Hiro terminó abandonando Soundgarden un mes antes de la gira y regresó a la universidad, frustrado por no tener participación creativa. Fue reemplazado por Jason Everman, quien había estado en Nirvana antes de Novoselic.

El disco le hace honor a su nombre. Es ruidoso y con ganas. La producción es relativamente limpia, no tanto como el debut, dando el nivel perfecto de “suciedad”, pero tratando de evitar los clichés del metal ochentero. Chris diría que el disco fue ligeramente más limpio de lo que esperaba, pero que a fin de cuentas no le cambiaría nada. La verdad es que para ser 1989 sí es un paso adelante en la producción y es otro de los puntos en que Soundgarden fue pionero, ya que tiene un sonido mucho más noventero que ochentero. Y la década aún no acababa, jeje. El disco es crudo e intenso, con riffs tremendos y una mayor carga sexual, no sólo en las letras, sino en la musicalización. Se siente algo de la malevolencia de Sabbath, pero también por momentos lo sexoso de Zepp. El detalle es que no es tan consistente como los dos siguientes discos. Y bueno, aunque no tiene temas tan feos como el Ultramega OK, si hay algún relleno, y salvo “Hands All Over” y “Big Dumb Sex”, no hay temas tan grandes como los puntos fuertes del debut. Líricamente también es extraño, con letras quizá demasiado infantiles (cof cof – idiotas –cof cof) para una banda Grunge wannabemetalera. Rolas como “Gun”, “Power Trip” y “Big Dumb Sex” los ponen al nivel de, ehhrr… Motley Crue? Varias tienen la intensión de ser parodia, pero no siempre queda claro. Por otro lado, Thayil ya está en un gran nivel, con buenos riffs, sonando setentero, creativo, con cambios de tiempos, experimentando con 9/4 en “Get On The Snake”  y hasta 5 tiempos raros en “I Awake”. Chris alcanza tonos imposibles, pero por momentos se olvida de hacer buenas melodías, por lo que se va volviendo un poco pesado. No es un disco pegajoso, precisamente, pero para muchos eso puede ser una virtud.


El disco arranca con “Ugly Truth”. La fea verdad es que fue una pésima elección para abrir el disco. Es el tema más feo del álbum. Una especie de Metal experimental que llega a lo absurdo. Un riff demasiado oxidado y por momentos fuera de tono. La canción intenta una atmósfera siniestra, oscura, con una letra sobre la corrupción. Pero se va volviendo demasiado lenta tanto por el riff como por la melodía poco memorable de Chris. Canta en un tono altísimo que creo que no va con la intensión de la rola, y al menos pudo empezar un par de versos un una octava más baja para ir acorde a la rola (al contrario de cómo cierra, que debió ser con todo). Thayil mete demasiadas capas de guitarra, e incluso al 3:30 mete una especie de solo al estilo del metal genérico ochentero, aunque apenas dura unos segundos. 5:26 de duración me parece excesivo, sobre todo al final cuando la canción se vuelve demasiado repetitiva por tanto “If you were mine to give, I might throw it away”. Feo arranque.

Afortunadamente nos vamos del punto más débil al más fuerte. “Hands All Over” es el extremo opuesto, una de las mejores rolas de la banda, y el mejor tema a millas a la redonda, al menos aquí. La banda alcanza un nivel majestuoso, lleno de potencia, con ciertos aires orientales y remotos, cargadísima de distorsión y un poderoso riff de la vieja escuela, que nada le pide a los de Page o Iommi. Arrancamos con una guitarra distorsionada, un bajeo elástico y Chris entrando con un extenso “Ahhhhh” con efecto etéreo. A poco esta intro de tintes hindús no recuerda endiabladamente a Zeppelin sin ser una copia? Al :30 Matt Cameron hace un redoble colosal y entra ese hipnótico doble riff y una simple pero pegajosa línea de bajo. De hecho, Hiro se discute, con gran una sobresaliente contribución en el bajeo, que es el que da el aire oscuro y amenazante, aunque queda un poco oculto. Matt también está crecido, llevando un medio tiempo impecable, pero agregando poderosos fills y redobles de vez en cuando, y siendo el encargado de elevar la intensidad de la rola. Kim es punto y aparte. Hace un despliegue de talento con los riffs y solos, todos de gran calidad, agregando efectivamente distintas capas y texturas para mantener ese aire oriental, y haciendo la canción muy dinámica y potente a pesar de ser básicamente un solo tono. Chris hace todo lo contrario que en el track anterior; las melodías son mucho más memorables, quizá no las mejores de su catálogo, pero combinan con esa rabia de las letras, y no son cansinas, a pesar de que se repiten (en melodía) como un mantra. El único detalle es que no son muy entendibles, salvo la parte de “Your gonna kill your mother, kill your mother, And I love her” del estribillo, y que les ocasionó censura. Lo cierto es que la letra es ambientalista, acusando esa especie de guerra entre la humanidad y los árboles. Por lo tanto esa madre a la que se refiere Chris es la Madre naturaleza, idiotas, no habla de matricidio. Pero bueno, se las ingenian para censurar estúpidamente cualquier cosa sin siquiera poner atención a la letra. Otra línea buenísima es la que dice “Hands all over Western culture, Ruffling feathers and turning eagles into vultures”. Esta rola es de Kim Thayil, quien ya sabemos que es de origen Hindú, por lo que se entiende el sentido de toda la rola, tanto lírica como musicalmente. Lo cierto es que la letra es muy buena, sin caer en el evidente sermoneo, muestra la rabia por esa postura que ha tomado la humanidad al convertirse en buitres carroñeros de la naturaleza. En fin, la rola dura 6 minutos, pero parecen pocos. Hay algo de “Kashmir” aquí, algo que hace está canción simple, pero a la vez majestuosa y muy, pero muy potente, rayando la perfección. Ni siquiera le falta un solo.

Sigue “Gun”, otra canción oscura, con un riff sanguinario y semilento, con cambios de ritmo, y que vuelven la canción espesa, sin hacerla aburrida. Chris canta con una furia inusitada, a medio tono, pero con una voz demasiado rasposa que no es típica de él. Noten como la canción se va acelerando lentamente hasta explotar en la parte en que Chris grita “Explode”. Curiosamente no hay un estribillo en forma, pero la banda va creando tensión, variando tiempos y agregando recursos para que no se note. Al 2:25 cambian aun riff que se parece mucho a “You Really Got Me” (¡!) y al 2:40 la canción se acelera a niveles Punk y hay un atisbo de solo hardrockero que luego cambia, se acelera y se vuelve en uno de esos genéricos del glam metal ochentero con un trillón de notas por segundo. Por este solo me resisto a marcar la canción en rojo. Por eso y por las letras, que creo que están mal manejadas y tienden más al anarquismo que a una crítica política válida. Al 3:30 parece que terminan la rola, pero regresan al riff mastodóntico inicial para un último verso. La canción es buena. Hay que reconocer que se arriesgan al no incluir un estribillo, y usan muy bien los recursos, pero el solo es muy genérico, lejano del verdadero nivel de Kim, y las letras tampoco me parecen bien manejadas, aunque entiendo su intención. Con todo y es una buena canción.

“Power Trip” es, bueno, eso, Un viajesote poderoso y estroboscópico, escrito esta vez por Hiro. Arranca con una intro agudísima en la que Chris espejea la agudísima guitarra para un efecto ácido y psicodélico. Cómo es que alcanza esos endiablados tonos??? inmediatamente entra el riff, que esta vez lleva toda la firma de los de Tony Iommy, con un tiempo lento y oscuro que bien le pudo quedar a la voz de helio de Ozzy. Chris va llevando la pauta y sube el tono para preparar esos mini-clímax con la guitarra afiladísima y los sorprendentes redobles de Cameron: “Oh hey! I want to write, The magazines the housewives read…” La letra quiero suponer que es una burla al sueño Americano, a la necesidad de dinero y poder de la cultura estadounidense que les inculcan desde la cuna. Pero nunca he estado 100% seguro de si Chris o Hiro no querían realmente ser reyes, jajaja.  Ya a partir del 2:45 la canción va tomando tintes apocalípticos con una intensidad descomunal, la guitarra chillando, la Matt despedazando la batería,  mientras Hiro sigue con el cadente riff y terminan con la figura agridulce y psicodélica, desacelerando la rola mientras Chris insiste en que quiere ser rey. Esta canción depende del mood en que estés. A veces me parece espectacular y que es un track perdido del Paranoid o el Master of Reality, pero en otras me parece repetitiva y no soporto lo estridente del riff. Lo mismo me pasa con la letra, que por momentos me parece una delicia cínica, pero en otros no estoy tan seguro de que estuvieran utilizando la ironía. Dejémosla de momento en un sano punto medio.

Sigue “Get On The Snake”, con un  riff venenoso, que contrasta la fluidez de la guitarra baja con los agudos. Durante los versos la figura cambia un poco para recordar vagamente “Misty Mountain Hop”, a poco no? Hasta los arreglos hardrockeros de Kim al 1:20 tienen cierta remembranza, aunque termina sonando más tendiente al glam. No es un plagio, pero es otra de muestra de las fuertes influencias del disco. Desgraciadamente se alarga un poco y para el final suena demasiado desorganizada, con Thayil haciendo power chords sin demasiada dirección. Matt nuevamente se muestra en gran nivel. La letra es otro canto antipolucionista y anticonsumista, aunque no tan bien logrado como “Hands All Over”. Un tema muy rockero, aunque las melodías se pierden y no son memorables y la falta de coro esta vez perjudica. Kim es quien salva la canción con sus recursos. No es mala, pero tampoco sobresale.

Continuamos con “Full on Kevin's Mom”, otro de los puntos débiles del disco. Un tema muy acelerada  y punky. Chris canta en tonos agudísimos, pero esta vez se pasa y realmente suena hiriente, igual que las guitarras por momentos. E incluso se pone a jadear! El bajeo va a toda marcha, pero sin demasiadas variantes. Matt se discute con la descomunal batería sin bajar el ritmo, pero no es suficiente. La canción es demasiado cruda, rápida. Se supone que es un tema ligero y de broma, hablando sobre dos amigos, de los cuales uno se enamora de la mamá del otro. Demasiado estúpida. Bien pudo entrar en el Bleach, o en el Soundtrack de Y Tu Mamá También. Ja!.

“Loud Love” mejora bastante. Quizá la canción más conocida del disco. Se trata de un rocker que inicia con un extraño feedback emulando un mosquito, o al menos eso me parece, jaja. Después de medio minuto entra una deslumbrante figura distorsionada de Hiro, sobre la cual se sienta el resto de la rola. Thayil mete capas de guitarras para crear texturas. La interpretación de Chris no es de mis favoritas, pero alcanza para mantener la canción, y el coro es pegajosísimo (Eureka! Tenemos coro!), aunque simple. Pero ese riff asesino sirve para arreglar todo.  Después del segundo estribillo, la canción baja de intensidad y queda una sección instrumental muy serena, con una especie de solo chisporroteante de Kim, hasta cerca del minuto 4, cuando regresamos a ese círculo y la canción comienza su cierre a toda marcha, con Chris alcanzando notas casi imposibles y un nuevo estribillo. Las letras son más ambiguas, pero nuevamente parecen tener connotación política. En fin, no es la mejor canción del universo, y se vuelve algo repetitiva, pero es más pegajosa, y ese riff complejo e intoxicante me basta para marcarla en rojo.

Luego llega “I Awake”, que recrea una atmósfera de pesadilla en la intro, con una línea de bajo circular, Kim jugando con los armónicos agudos de su guitarra y la batería pesada y somnolienta. Después de medio minuto, Chris ruge y entra una guitarra pesadísima, que se queda punteando de manera sofocada y llena de distorsión en los versos para un efecto metalero. Todo crea un ambiente sofocante, claustrofóbico, acorde a la letra, que básicamente relata el día en que Hiro se levantó para encontrar una nota de su novia con las líneas del estribillo, que le anunciaban que se había largado. Kim agrega otro buen riff al 2:40, y la canción va bajando de intensidad, dejando una sensación de melancolía por los efectos que van dejando todos en el fade out. Quizá la canción más grungera y sombría del disco, también de autoría de Yamamoto (evidentemente).

“No Wrong no Right” empieza con un tamboreo muy rítmico. Chris Grita, la guitarra chilla, Hiro juega con los agudos del bajo y entra por fin en ritmo al :35, con una gran línea elástica de bajo. Esta es la última rola que Yamamoto compuso con la banda, por lo que aprovecha para discutirse con su instrumento, con mucho sabor a Geezer Butler. Cornell canta en un tono medio en los versos y luego explota, en un modo que me recuerda una mezcla de Ozzy y Layne Staley… de hecho, todo me recuerda mucho a AIC, pero evidentemente no los podemos acusar de plagio. La canción es magnífica, compleja, y creo que tremendamente subestimada. Llena de texturas, cambios de ritmo (usando por momentos el complejo 9/4). Todo tiene un aura realmente escalofriante y maléfica, creando una sensación paranoica descomunal. Por momentos Thayil vuelve a abusar de la metralla, pero en general tiene una gran labor, usando el feedback y los power chords con efecto de óxido. Una letra igualmente maléfica, casi sacada de una lista de hechizos de bruja.  Al minuto 4 bajan intensidad y Chris recita ese o “Wrong no right, or guilt admission, It's all the same, You've been bitten, you've been bitten” con otra voz repitiendo en un amenazador susurro. Una rola muy bien lograda, que si su intención es asustar, conmigo funciona. Pudo haber sido Soundtrack de The Blair Witch Project, se la imaginan en la escena final? Creo que influiría mucho a futuro en las terroríficas atmósferas de Alice In Chains, y estoy convencido de que también tuvo que ver en “El Año Del Dragón” de Caifanes. Se fijan como la influencia del primer Sabbath brinca hasta los 80’s, se transforma, y vuelve a resurgir en otros grupos alternativos a mediados de los 90’s???? Me encantan estos detalles del Rock!

Después está “Uncovered”, otrra canción pesada, con los riffs de Thayil dominando. Chris hace una buena interpretación en los estribillos o puentes, pero nuevamente durante los versos se pierde un poco en los tonos bajos y en melodías confusas. Lo repetitivo de la canción y el tiempo lento terminan por dañar un poco la rola, que tenía potencial por el riff, pero no usan muchos otros recursos. Además Chruis abusa un poco de los “hey’s”. No sólo aquí, en todo el disco, pero es en esta canción donde se hace más evidente. Una rola promedio.

Sigue “Big Dumb Sex”, más rockera, con un aire más alternativo y un trabajo de guitarra más dinámico. Esta se terminó convirtiendo en una de las canciones más conocidas del grupo por ese masivo coro “I’m gonna fuck, fuck, fuck, FUCK YOU!”. A mi me gustan los riffs a tritono, y la parte de los versos en que Chris canta altísimo y hay otra voz cantando una o dos octavas más grave, haciendo un efecto raro. La canción es mucho más pegajosa, con mejores melodías, y bueno a pesar de lo estúpido de la letra, es imposible no cantar los coros, jajaja. El solo es muy sucio, pero los juegos de tonos que usa Kim son buenos. Al 3:40 la música se detiene y quedan solo las voces, para las cuales no sé cuántas pistas sobrepuso Chris. Sobre la letra, se supone que era una parodia de las letras de Hair Metal de los 80’s, que sólo escribían letras machistas y de sexo. Al parecer Guns N’ Roses no entendieron la broma ya que la coverearon en el Spaghetti Incident en el Meddley llamado Buick Makane. Jeje, Axl Rose escupe para arriba en ese cover, jajaja. Bueno, regresando a la original, no es mala, musicalmente es buena, pero nuevamente le falta ese algo, alguna variación, algo que la haga grandiosa. O es quizá la letra. Entiendo su intención, pero aún así creo que la daña un poco.

Y cerramos con “Full On (Reprise)”, que es eso, un reprise instrumental de “Full On Kevin’s Mom”. A mi gusto, innecesario. Quizá si la hubieran dejado instrumental, pero no es más que la coda extendida durante 2:42. La marcaría en rojo, pero me divierten horrores los tímidos na-nana-narananás a la “Hey Jude” cuando la rola ya se está difuminando. Y no es tan ofensiva como la canción en sí, si la hubieran hecho así de rítmica y menos punketa, hubiera mejorado bastante.


En fin, no es un mal disco. Creo que es un paso adelante respecto al debut, ligeramente más consistente y sin esos rellenos evidentemente groseros que fueron “665” y “667”. Pero aún les falta dar el gran paso. Se nota ya el potencial de lo que vendría en el siguiente disco, pero les falta pulir más las canciones para lograr que brillen con ganas esos riffs. Cornell ya tiene su voz a tope, no alcanzará tonos más altos, pero le falta colmillo en las melodías, crear ganchos para dar más memorabilidad a las rolas, saber qué hacer con esa joya que tiene en la garganta. El Louder Than Love no es un disco accesible, es denso, algo repetitivo, muy pesado y no encontrarán muchas rolas que después estén tarareando en la calle. Pero tampoco es horrible. Tiene dos o tres sorpresitas muy buenas. E incluso los dos temas más débiles tienen buenos detalles. Sí sólo conocen Soundgarden por sus temas noventeros, quizá queden decepcionados con el disco. Pero si buscan entre las capas de guitarra, encontrarán no sólo el mapa de la evolución de Soundgarden desde que era una banda punkmetalera, sino las influencias de los 70’s actualizadas, y la influencia que tendría este disco en los 90’s, e incluso en los dosmiles.

 

 

 

Por Corvan 

 

  

 

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