WHITE LIGHT/WHITE HEAT (Velvet Underground, 1968)

Artista: Velvet Underground (D+)
Fecha de Grabación: Sep 1967
Fecha de Lanzamiento: Ene 30, 1968
Discográfica: Verve Records
Productor: Tom Wilson
Calificación: 4

 

Era: La Psicodelia (1966-1969) 

Subgénero: Art Rock

Mejor Canción: White Light/White Heat

Canciones: 1) White Light/White Heat; 2) The Gift; 3) Lady Godiva's Operation; 4) Here She Comes Now; 5) I Heard Her Call My Name; 6) Sister Ray.

 

Ehhhhhhhhh??? Fue lo que pensé en la primer oída. What????? Fue lo que pensé a la segunda. Ahhhhhhh… exclamé a la tercera, los audífonos deben estar quebrados! Y a la cuarta, después de comprar unos nuevos, volví al WTF????

Este es un disco difícil, MUY difícil de escuchar, y aún es más difícil de digerir. Pareciera una broma, y aún a veces me pregunto si no fue realmente una broma muy pesada de Reed y Cale. Y es que este es uno de los discos más crudos, infraproducidos, más distorsionados y saturados de feedback que se hayan grabado en toda la historia.

Pero qué pasó con las campanitas y las baladas supercute y los riffs repetitivos pero con magia y ese sonido más accesible con el que nos fascinaran en el debut? Pues simple, se fueron junto con Nico y Warhol, a quienes despidieron después de ése primer disco.

Muchas de las bandas que se consideran “experimentales” tienen álbums que son grandes a los ojos del público general, con sus dosis de Avant-Garde y todo, pero que de alguna manera son escuchables y logran el reconocimiento y aplausos de las mayorías. Y muchas de estas bandas también tienen material denso, muy denso, que sólo es aceptable para los fans de hueso colorado, y absolutamente inexplicable e inescuchable para el público general. El VU&Nico es una muestra del primero; El White Light del segundo, siendo considerado como una obra de arte suprema por muchos seguidores de la banda y de los sonidos experimentales de estos años. Así pues, los que adoran este disco probablemente adoren también The Grand Wazoo de Frank Zappa.

Es realmente difícil hacer un juicio objetivo sobre este álbum. Por la calificación, se habrán dado cuenta que no pertenezco a los fans enardecidos que lo adoran. Pero a pesar de ser un disco cargadísimo de ruido blanco, tiene algo, algo que nos hace preguntarnos: Es el White Light una gema incomprendida del Rock Clásico, o es un montón de ruido patético, distorsionado y colmado de jams sin sentido? Lo cierto es que sin la influencia de Warhol y Nico, los Velvet se sienten o escuchan más libres, haciendo el disco que “deberían” hacer, experimentando y divirtiéndose a sus anchas, como si fueran muchachos tan cargados de heroína que apenas y se acuerdan de cómo tocar. Ehr… dije “como si fueran”? La viola de Cale casi no suena en este disco, no hay pianitos, sitar, cascabeles, o un dejo de la brillante producción que hizo del VU&Nico un disco tan pulido y sofisticado. De hecho, la misma Nico no está más con la banda. Esta placa es pura guitarra y pedales, y teclados y pedales, y no me sorprendería que hasta la batería haya sido distorsionada. De hecho, cuando se dice que el movimiento Punk está basado en los Velvet Underground, éste es el único álbum al que podrían estarse refiriendo como verdadera influencia. Prácticamente todas las rolas rockean, no en el sentido tradicional, los Velvet no son Zeppelin, sino que rockean de una manera lenta e hipnótica, de manera casi letárgica… “como si fueran”.

La canción que titula el album, “White Light/White Heat” es un excelente abridor, un clásico de la banda y de hecho, la mejor canción de esta entrega. La rolita tiene ese riff repetitivo, rápido, raro distorsionado, arenoso, sucio y… divertido! Recupera esa chispa del debut, que sin dejar de ser arriesgado, no resulta hiriente, muy semejante a lo que hicieran en “Waiting For the Man”, con el mismo beat hipnótico pero más rápido y sucio y un teclado bastante simpático. El sonido llama la atención desde esta primera rola y uno se pregunta quién estaba más drogado: el productor, el ingeniero de sonido o la banda? Las letras hablan nuevamente de las adicciones, en este caso, de las anfetaminas. Esta es quizá la única canción que hubiera podido entrar sin problema en el VU&Nico.

La siguiente canción es muy rara, aquí comienza la experimentación y la controversia, ya que para muchos es genial y para otros es aburrida. Se trata de “The Gift”, donde Cale está leyendo la historia (una carta?) con una voz carente completamente de emociones, mientras Lou Reed y Sterling Morrison van intercambiando cualquier cantidad de arreglos un tanto trillados de blues rock y la densidad de las guitarras va aumentando mientras la historia continúa a través de 8 minutos. Lo interesante es la historia, que trata de un tipo llamado Waldo que está al otro lado del país respecto a su novia Marsha. El cree que ella lo está engañando, que de hecho lo está, y decide sorprenderla con las manos en la masa enviándose a sí mismo en una caja de madera (el regalo, The Gift). La caja llega a su destino, pero Marsha no lo puede abrir y ella y su amante deciden usar una motosierra para abrirla por la mitad, matando al pobre Waldo. Es una letra ingeniosa, hay que reconocerlo, pero con todo el ruido de las guitarras, ese bajeo a la “King Bee” de los Rolling Stones, la pésima ecualización de la voz, que se oye demasiado al fondo, y además la entonación monótona de la lectura de Cale, hacen que la letra apenas sea distinguible, casi un murmullo. Por cierto, aquí la voz y la música están totalmente separadas en canales diferentes, por lo que si se escucha sólo el canal izquierdo se podrá oír la voz sin nada de música.

La tercera es “Lady Godiva Operation”, una canción que empieza muy cool, con una melodía bizarra a cargo de Cale, ligeramente parecidas a Sunday Morning y letras muy raras, sobre la leyenda de la transformación de Lady Godiva. Igual que “The Gift”, empieza un tanto lenta y va “progresando” y llenándose cada vez de más ruido un canto doble y más guitarras. No sé si al fondo lo que se oye como base es la viola distorsionada de Cale. John Cale es quien empieza cantando, con una voz más plana incluso que la de Lou, pero Reed se le incorpora al 2:50, rompiendo la melodía original y creando un caos hacia el final de la rola, como peleándose por los versos. Es otro track experimental, un poco más orientado al pop y que cobra encanto con algunas escuchadas. En palabras del propio Lou Reed, esta es su canción favorita de los Velvet Underground.

“Here She Comes Now” es la única balada en forma del disco y la que más carga pop tiene. La letra no es más que la repetición sin fin del título con ligeras variantes, pero tiene buena melodía y algunos cambios, sin dejar de ser ligera y muy escuchable.

La quinta canción es “I Heard Her Call My Name”, con todo el espíritu punk que podía existir 7 u 8 años antes de que el género cobrara fuerza. Es el track más energético del álbum, con Mo golpeando frenéticamente su batería y algunos solos distorsionadísimos de Lou que demuestran que era un guitarrista no muy técnico pero con todas las cualidades del punk. La primera parte de la rola es soportable, pero cuando los oídos comienzan a ser taladrados a partir de la segunda mitad, la canción se convierte en un verdadeero martirio. Y esta no es la peor!

Después está “Sister Ray” una canción desastrosa de 17 minutos que inicia de manera mas o menos normal, pero se va convirtiendo en una insoportable escala de feedback y de duelos innecesarios de guitarra y órgano. No es más que un jam sin compromiso e inescuchable y letras bastante gráficas con las obsesiones sexuales de Lou. Muchos la consideran un clásico, pero es DE-MA-SIA-DO larga: 17 minutos de un punk rock con 2 o 3 acordes, sin un solo gancho y ni siquiera tiene bajo! Los Velvet sólo tuvieron una toma para grabar esta canción, y se comprometieron a aceptar cualquier error durante la grabación. Se dice que el productor Tom Wilson se largó en plena grabación diciendo "Avísenme cuando terminen". El guitarrista Sterling Morrison comentó que se sorprendió ante el volumen del órgano de John Cale que fue grabado a través de un amplificador de guitarra distorsionado y que se turna con la guitarra de Lou Reed para ponerse al frente de la canción, aunque más bien parece que se están arrebatando el papel protagónico. No sé si ya traían conflicto entre ellos, que derivaría en la salida de Cale para el siguiente disco, pero ese duelo de egos no benefició en nada el sonido. Además, como todo fue en vivo y Cale era el bajista y tecladista, pues la canción no tiene bajo en absoluto. Muchos dicen que es una obra de arte, mientras muchísimos más opinan que es una porquería de primera. Yo creo que tiene algunos momentos, sobre todo al inicio, pero 17 minutos de esto es puro sadismo, y los duelos de guitarra y teclado, también con distorsión, pueden ser verdaderamente destructivos para los tímpanos. La he podido oír completa unas 3 veces, pero generalmente no soporto después del minuto 10.

 

El disco pues, no es para los escuchas comunes y corrientes, como yo y como usted, sino para los fans de la banda y aquéllos que gustan de sonidos experimentales como Zappa o Beefheart. No se puede negar su importancia histórica, so experimentación obsesiva y su paternidad sobre el punk. Es el disco que los Velvet debían grabar, valemadres, ruidoso, chillante, rallando en lo brillante, pero tiene demasiados errores para ser considerado una obra de arte, o siquiera para sacarlo del 6 de calificación. Por supuesto, la banda deseaba que sonara exactamente como suena, un disco de White Boise, y con ello, reventarle las pelotas o los oídos a medio mundo. Aún así, tiene alguna chispa, ese sonido Velvet, artístico y arriesgado que lo salva de ser una completa basura y desperdicio de tiempo. Vale al menos un a escuchada para oír a los Velvet más crudos, salvajes y desenfrenados que haya habido. Si no quieren arriesgar, váyanse al disco debut o al Loaded, que son mucho más escuchables.

 

 

Por Corvan 

 

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